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Se denomina Música electrónica en general a aquel sonido interpretado por medio de aparatos electrónicos. Este concepto también incluye la música creada con cintas magnetofónicas, la música electrónica en vivo (creada en tiempo real con sintetizadores y otros equipos electrónicos), la música concreta (creada a partir de sonidos grabados y luego modificados) y la música que combina las anteriores. Creada por músicos destacados y conocidos a nivel mundial, acompañados de la vanguardia tecnológica. En la actualidad, la música electrónica se puede encontrar en muchas ramificaciones de estilos claramente definidos. Hoy están en uso otras terminologías como "música por computadora", "música electroacústica" o "música radiofónica", definiciones que suelen referirse más a la estética que a las tecnologías utilizadas. Desde el 2 de Diciembre de 1993 el trio Britanico Depeche Mode, son considerados los padres de la musica electronica. ==

Histori ==

1940-2000


Luigi Russolo trabajando con su asistente Ugo Piatti utilizando el Intonarumori (máquinas de ruidos). En Francia, el ingeniero de sonido y compositor Pierre Schaeffer fundó el estudio de Radio Francia (RTF) en París, compuesto por varias grabadoras, micrófonos y equipos para la edición de cintas. Las principales técnicas utilizadas para crear música consistían en cortar, pegar, empalmar o recorrer hacia atrás distintos fragmentos de la cinta grabada. Estas técnicas de manipulación de las cintas dieron lugar a un nuevo tipo de montaje de sonido, elaborado con mucho esfuerzo a partir de las grabaciones provenientes del mundo real. Schaeffer calificó los resultados como "música concreta", un término que aún se sigue utilizando ampliamente, sobre todo en Francia. Su primer experimento en este nuevo género utilizaba sonidos de grabaciones de trenes. Todas sus obras de esa época eran breves estudios sobre sonidos y tienen títulos evocadores como la Symphonie pour un homme seul (1950), compuesta en colaboración con su colega Pierre Henry. Los experimentos prácticos de Schaeffer en la composición de música electrónica se basaban en algunos escritos teóricos sobre el tema que influyeron en él. El estudio de Henry y Schaeffer atrajo a diversos compositores, entre los cuales destacaba Pierre Boulez.

A finales de la década de 1940, Werner Meyer-Eppler, físico y director del Instituto de Fonética de la Universidad de Bonn, presentó por primera vez el Vocoder, un dispositivo que conseguía sintetizar la voz humana. Su trabajo teórico influyó en los compositores relacionados con el estudio de la Radio de Alemania Occidental en Colonia (fundada en 1953), y cuyo interés giraba en torno a la síntesis electrónica de los sonidos mediante generadores de sonido y otros aparatos. El primer director del estudio de Colonia, Herbert Eimert, ejerció una gran influencia por su forma de utilizar el serialismo total (véase Sistema dodecafónico) como base para la construcción de obras electrónicas. Según este método, todos los aspectos de la música, incluidos el tono, el ritmo y el volumen relativo, quedaban bajo el control de unos principios definidos numéricamente. Los sonidos y aparatos electrónicos brindaban la precisión y el control necesarios para la realización de este concepto. Compositores como Bruno Maderna y Karlheinz Stockhausen elaboraron piezas electrónicas cortas, llamadas síntesis aditiva (véase la sección de síntesis del sonido más adelante). Estas obras se componían enteramente a partir de sonidos electrónicos.

Años 1970Editar

Aunque la música electrónica comenzó dentro del ámbito de la música académica, en pocos años fue adoptada en la cultura popular.

En el Taller Radiofónico (unidad de efectos especiales de sonido de la BBC), Ron Grainer y Delia Derbyshire crearon en 1963 una de las primeras melodías electrónicas: el tema musical de la serie de televisión Doctor Who (1963-1989).

A fines de los años cincuenta, el trombonista Paul Tannen y el inventor aficionado Bob Whitsell habían producido el electroteremín, un instrumento que imitaba el timbre del teremín pero con un mecanismo de control más sencillo de usar. Tanner tocó dicho instrumento en varias bandas de sonido para cine y televisión, y en un LP llamado Music from Outer Space (Música del Espacio Exterior). También tocó tres temas en el disco Good Vibrations del grupo The Beach Boys grabado en 1966.

La compositora y clavecinista estadounidense Wendy Carlos (en esa época llamada Walter Carlos) popularizó el uso del sintetizador con dos notables álbumes: Bach enchufado (1968) y El sintetizador bien temperado (1969), que tomaba piezas reconocidas de la música barroca y las reproducía con el recién inventado sintetizador Moog. El Sintetizador Moog no podía producir acordes, por lo que para producir obras polifónicas tal como las que grabó Carlos, se requirieron varias horas de grabación en estudio. algunos de estos trabajos musicales se pueden apreciar en el filme de Stanley Kubrick a clockwork orange (la naranja mecánica)

Se conoce la anécdota de que los aficionados que oían el disco, creían que el sintetizador Moog permitía grabar una línea melódica con un timbre y luego grabar otra melodía con otro timbre, adicionándola a los timbres anteriores, un principio que luego utilizaría el secuenciador.

En 1966 Pierre Schaeffer fundó el Groupe de Recherches Musicales (Grupo de Investigación Musical) para el estudio y la investigación de la música electrónica. Su programación está estructurada a partir de un compromiso en los procesos de difusión, investigación y creación de la música contemporánea y las tendencias en videoarte e imagen más actuales. Sus exhibiciones y conciertos son reproducidas en tiempo real mediante dispositivos electrónicos, interfícies de audio-video y una plantilla de músicos y video artistas nacionales e internacionales abiertos al uso de tecnologías punta.

RockEditar

Los primeros sintetizadores eran notoriamente inestables y se desafinaban con facilidad. Aun así, algunos tecladistas, como Keith Emerson, integrante del grupo Emerson, Lake and Palmer los utilizaban en sus recitales.

Otro instrumento usado en trabajos del género del rock fue el melotrón que fue utilizado en la producción de la canción Strawberry Fields Forever de The Beatles. El pedal de tono de volumen fue usado de manera artística como instrumento de base en Yes It Is.

Moog no fue el único inventor de sintetizadores. En la Costa Oeste de EE. UU., Donald Buchla desarrolló sintetizadores que, contrariamente al sintetizador Moog, carecían de teclado.

A medida que se desarrolló la tecnología, los sintetizadores se volvieron más económicos, robustos y portátiles, y fueron adoptados por muchas bandas de rock. Ejemplos de los primeros grupos que adoptaron sintetizadores fueron The United States of America, The Silver Apples y Pink Floyd. Aunque no toda la música de estos grupos era electrónica (con la excepción de los Silver Apples), buena parte del sonido resultante dependía del sintetizador. El uso de los medios electrónicos se volvió tan frecuente que a mediados de los setenta, el grupo británico de rock Queen ponía un aviso en sus álbumes, que decía: ¡Sin sintetizadores!.

Por el contrario, en la corriente de rock experimental del llamado kraut rock alemán, pero también en el art rock inglés los elementos electrónicos tenían gran importancia.

Años 1970Editar

[Local de Kling Klang, sello privado de Kraftwerk,(considerado el grupo más importante de la música electrónica)en Düsseldorf.La popularidad llegó con los trabajos de la banda alemana Kraftwerk, que surgió de la corriente del krautrock. Pero a partir de su disco Autobahn (1974) se empezó a fusionar el pop minimalista con la música electrónica. Entre 1974 y 1981, la banda desarrolló su estilo, que después fue denominado Electro y tuvo características bailables. Utilizaban la electrónica y la robótica para simbolizar (y a veces celebrar jubilosamente) la alienación del mundo tecnológico moderno. Hasta el día de hoy su música permaneció absolutamente electrónica.

En Alemania, bandas tales como Tangerine Dream, Can, Neu!, entre otras, incorporaron los sonidos particularmente electrónicos a sus temas.

La música de Kraftwerk tuvo gran influencia en Estados Unidos, donde a principios de los años 1980, surgió la música house, que fue, a grandes rasgos, un estilo más minimalista y electrónico de la música disco de los años 1970.

Otro importante músico es el francés Jean-Michel Jarre, cuya formación se marcó con su entrada, en enero de 1969, al Groupe de Recherches Musicales (Grupo de Investigación Musical), liderado por Pierre Schaeffer (considerado el creador de la música concreta), quien se convertiría como su maestro. Hijo de Maurice Jarre, autor de importantes bandas sonoras cinematográficas, como las de Lawrence de Arabia (1962) o Doctor Zhivago (1965)), nacido en Lyon el año 1948, también estudia en el Conservatorio de París. Experimentador excepcional, en la década de 1970 publicó Oxygène, el álbum que lo hizo internacionalmente famoso. Siendo su segundo álbum, vendió más de 16 millones de ejemplares en todo el mundo y se convirtió en uno los mayores éxitos de la historia de la música francesa y en un emblema de la música electrónica de la era analógica con cerca de 86 millones de discos vendidos de toda su discografía. Jarre fue el primer músico occidental en realizar una gira por la China post-Mao, en conseguir la mayor audiencia en directo en los cinco continentes con 3,5 millones de espectadores, en llevar la música electrónica a la Ópera de París, en subastar una única copia de uno de sus LP, en congregar más de un millón de espectadores en un concierto en la Plaza de la Concordia de París en 1979 y 2,5 millones en La Défense, también en París, en 1990.


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